Korealainen maalaus: historia, genret, piirteet

2024 Kirjoittaja: Leah Sherlock | [email protected]. Viimeksi muokattu: 2023-12-17 05:35

Korealainen maalaus sisältää maalauksia, jotka on tehty Koreassa tai korealaisten ulkomailla, aina Goguryeon hautojen seinämaalauksista postmoderniin käsitteelliseen taiteeseen. Korean niemimaalla tuotettua kuvataidetta leimaa perinteisesti yksinkertaisuus, spontaanius ja naturalismi.

Korealaisen maalauksen genret ja teemat

Buddhaa tai buddhalaisia munkkeja kuvaavat buddhalaiset taidelajit ja kungfutselainen taide, joka kuvaa tutkijoita tai opiskelijoita hiljaisessa paikassa, usein vuoristossa, noudattavat aasialaisen taiteen yleisiä suuntauksia.

Buddhoissa on yleensä korealaisia piirteitä, ja he ovat lepoasennossa. Halojen väri ei välttämättä ole kullanruskea, usein käytetään vaaleampia värejä. Kasvot ovat usein realistisia ja osoittavat ihmisyyttä ja ikää. Kasvot ovat pääsääntöisesti kaksiulotteisia, vaatteet ovat kolmiulotteisia. Kuten keskiajan ja renessanssin länsimaisessa taiteessa, vaatteet ja kasvot tekivät usein kaksi tai kolme taiteilijaa, jotka ovat erikoistuneet johonkin tiettyyn taitoon. Korealaisten maalausten ikonografia on sopusoinnussa buddhalaisen ikonografian kanssa.

Tutkijat kuvissa pitävätpääsääntöisesti he käyttävät perinteisiä päähineitä ja asemaansa sopivia vaatteita. Heidät näytetään yleensä rentoutuneena tai opettajiensa tai mentoriensa kanssa.

Koko maailmalle tuttuja metsästyskohtauksia löytyy usein korealaisesta taiteesta, ja ne tuovat mieleen mongolialaisia ja persialaisia metsästyskohtauksia.

Joseonin aikana maisemamaalarit alkoivat kuvata todellisia maisemia tyyliteltyjen kuvitteellisten kohtausten sijaan. Realismi levisi pian muihin genreihin, ja taiteilijat alkoivat maalata kohtauksia Korean jokapäiväisten ihmisten arjesta. Myös muotokuvista tuli tärkeä genre, samoin kuin kirjailijan itsensä kehittämiseksi luoma amatöörimaalaus. Tuntemattomien korealaisten taiteilijoiden Minhwaa, värikkäitä koristemaalauksia, maalattiin runsaasti.

Kolmen v altakunnan aika

Jokaisella kolmesta v altakunnasta, Sillasta, Baekjesta ja Goguryeosta, oli oma ainutlaatuinen maalaustyylinsä, ja ne kehittyivät Kiinan maantieteellisen alueen vaikutuksesta, johon kyseisellä kuningaskunnalla oli suhteita. Sillan varhaisia maalauksia pidetään huonompina kuin Goguryeo ja Baekje, ne olivat hassumpia ja vapaampia, ja joitain niistä voitiin pitää melkein impressionistisina. Baekje-maalaukset eivät kallistuneet realismiin vaan olivat enemmän tyyliteltyjä, tyylikkäästi, vapaasti tehtyjä. Toisin kuin kahden muun ajanjakson maalaukset, Goguryeon maalaukset olivat dynaamisia ja niissä kuvattiin usein tiikereitä, jotka pakenivat jousiampujia hevosen selässä. Kun Silla nieli kaksi muuta v altakuntaa, kolme ainutlaatuisen erilaista piirustustyyliäsulautuivat yhdeksi, ja heihin vaikuttivat myös jatkuvat yhteydet Kiinaan.

Kore-dynastia (918-1392)

Goryeo-kaudella (918-1392) taiteilijoita oli melko paljon, sillä monet aristokraatit maalasivat henkistä stimulaatiota varten, ja buddhalaisuuden nousu loi tarpeen buddhalaisaiheisia maalauksia varten. Vaikka buddhalaiset maalaukset tältä aj alta ovat siroja ja hienostuneita, ne saattavat näyttää räikeiltä nykypäivän standardien mukaan. Tänä aikana taiteilijat alkoivat piirtää erilaisia kohtauksia todellisen ulkonäkönsä perusteella, mikä myöhemmin yleistyi Joseon-kaudella.

Goryeo-dynastian aikana oli poikkeuksellisen kauniita buddhalaisaiheisia maalauksia. Kuvat bodhisattva Avalokitesvarasta (koreaksi Gwanum Bosal) erottuvat tyylikkyydestään ja henkisyydestään.

Joseon-dynastia (1392-1910)

Joseonin aikakauden maalaustyyli korealaisessa taiteessa on nykyään jäljiteltyin. Jotkut näistä maalaustyypeistä olivat olemassa varhaisen Kolmen kuningaskunnan ja Goryeo-kauden aikana, mutta ne vakiintuivat Joseon-kaudella. Kungfutselaisuuden leviäminen tänä aikana stimuloi taiteen uudistumista. Etenkin tuon ajan koristetaide paljastaa edelliseen aikaan verrattuna elementaalisemman, paikallisen tunteen. Buddhalaisuuden rappeutuminen hallitsevana kulttuurina rohkaisi korealaisen maalauksen kehitystä toiseen suuntaan. Joseonin kauden maalaukset jäljittelivät suurelta osin kiinalaisia maalaustyyliä, mutta jotkut taiteilijat ovat yrittäneet kehittää selkeästi korealaista lähestymistapaa käyttämälläei-kiinalaisia tekniikoita ja paikallisten maisemien ja arjen kohtausten maalausta. Ainutlaatuisia korealaisia symboleja ja elementtejä voitiin nähdä myös tyylitellyssä eläinten ja kasvien kuvauksessa.

Buddhalaisen taiteen tuotantoa ja arvostusta jatkettiin, vaikkakaan ei enää virallisessa kontekstissa. Buddhalaisen taiteen yksinkertaisuus oli yleistä dynastian yksityiskodeissa ja kesäpalatseissa. Kore-muodot kehittyivät ja buddhalainen ikonografia, kuten orkideat, luumunkukat ja krysanteemit, bambu ja oksat, liitettiin genremaalauksiin onnen symboleina. Varsinaisia muutoksia väreissä tai muodoissa ei tapahtunut, eivätkä keisarilliset hallitsijat yrittäneet asettaa mitään taiteellisia normeja.

1500-luvun loppuun asti hovimaalarit seurasivat kiinalaisten ammattimaalarien tyyliä. Aikakauden merkittäviä taiteilijoita ovat Kin, Zhu Ken ja Yi Sang-cha. Samaan aikaan amatööritaiteilijat maalasivat perinteisiä suosittuja aiheita, kuten lintuja, hyönteisiä, kukkia, eläimiä ja buddhalaisia "neljä jaloa herraa". Tämän ajanjakson päälajit ovat maisemat, minhwat, muotokuvat.

Neljä jaloa herraa

Toinen nimi tälle tyylille on "neljä jalokukkaa": luumu, orkidea, krysanteemi ja bambu. Ne olivat alun perin konfutselaisia symboleja oppineen miehen neljästä ominaisuudesta: luumunkukat edustivat rohkeutta, bambu edustavat rehellisyyttä, orkideat olivat hienostuneisuuden symboli, krysanteemit tuottelias ja hedelmällinen elämä.

Muotokuvat

Muotokuvia kirjoitettiinläpi Korean historian, mutta suurin osa niistä ilmestyi Joseon-kaudella. Muotokuvien pääaiheet olivat kuninkaat, arvokkaat ihmiset, vanhukset virkamiehet, kirjailijat tai aristokraatit, naiset ja buddhalaiset munkit.

Minghwa

Joseon-kauden lopussa ilmestyi tämäntyyppinen kansanmaalaus, jonka ovat luoneet nimettömät taiteilijat, jotka seurasivat uskollisesti perinteisiä muotoja. Kotitaloudelle onnea tuomaan tarkoitettujen maalausten kuviin sisältyivät seuraavat: tiikeri (vuoristojumala), pitkäikäisyyden symbolit (kurmut, peurat, sienet, kivet, vesi, pilvet, aurinko, kuu, männyt ja kilpikonnat); parilliset linnut, jotka symboloivat avioliiton rakkautta; hyönteiset ja kukat edustavat yinin ja yangin välistä harmoniaa; ja kirjahyllyt, jotka edustavat oppimista ja viisautta. Esineet kuvattiin täysin tasaisella, symbolisella tai jopa abstraktilla tyylillä ja eloisin värein.

Maisema- ja genremaalaus

Keskidynastioiden tyyli eteni kohti ylevää realismia. Kansallinen maisemamaalaustyyli, jota kutsutaan "todelliseksi näkymäksi" tai "realistiseksi maisemakouluksi", alkoi kehittyä siirtyen perinteisestä kiinalaisesta idealisoitujen maisemien tyylistä maalauksiin, jotka kuvaavat tiettyjä paikkoja tarkasti.

Realististen maisemien kehittymisen myötä tuli käytäntö piirtää realistisia kohtauksia tavallisista ihmisistä, jotka tekevät jokapäiväisiä asioita. Genremaalaus on ainutlaatuisin korealainen maalaustyyli ja tarjoaa historiallisen näkökulman Joseon-kauden ihmisten jokapäiväiseen elämään.

kulta-aika

Myöhäistä Joseonia pidetään korealaisen maalauksen kulta-ajana. Tämä tapahtui samaan aikaan, kun yhteys Ming-dynastiaan katkesi. Korealaiset taiteilijat joutuivat rakentamaan uusia, kansallisia taidemalleja, jotka perustuivat itsetutkiskeluun ja tiettyjen korealaisten aiheiden etsimiseen. Tuohon aikaan kiinalainen vaikutus lakkasi hallitsemasta, ja korealainen taide muuttui yhä omituisemmaksi.

Japanin miehitys ja moderni Korea

Joseon-kauden loppua kohti länsimaiset ja japanilaiset vaikutteet tulivat yhä selvemmiksi. 1800-luvulla varjostusta käytettiin ensimmäistä kertaa muotokuvissa. Ammattitaiteilijoiden joukossa kiinalaisen akateemisen maalauksen tyylit olivat hallitsevia.

Japanilaisen Korean miehityksen aikana, 1880-luvun puolivälistä vuoteen 1945, korealaiset taiteilijat kokivat vaikeita aikoja, kun Japani yritti pakottaa oman kulttuurinsa Korean elämän kaikilla osa-alueilla. Korealaiset taidekoulut suljettiin, korealaiset maalaukset tuhottiin ja taiteilijoita vaadittiin maalaamaan japanilaisia kuvia japanilaiseen tyyliin. Taiteilijoiden, jotka pysyivät uskollisina korealaisille perinteille, piti mennä piiloon, ja Japanissa opiskelleita ja japanilaiseen tyyliin maalaneita syytettiin kompromisseista.

Toisen maailmansodan jälkeisenä aikana korealaiset taiteilijat omaksuivat joitakin länsimaisia lähestymistapoja maalaamiseen. Jotkut eurooppalaiset impasto-taiteilijat olivat ensimmäisiä, jotka herättivät korealaisten kiinnostuksen. Taiteilijoista, kuten Gauguin, Monticelli, Van Gogh, Cezanne ja Pissarro, tuli erittäin vaikutusv altaisia, koska he olivat taiteellisesti eniten tutkittuja.kouluja, ja niitä koskevat kirjat käännettiin nopeasti koreaksi ja asetettiin helposti saataville. Niiden ansiosta keltaisen okran, kadmiuminkeltaisen, napolilaisen keltaisen ja siennan sävypaletit ilmestyivät nykyaikaiseen korealaiseen maalaukseen.

Väriteoria menee muodollisen näkökulman edelle, eikä maalauksen ja popgrafiikan välillä ole edelleenkään päällekkäisyyksiä, sillä taiteilijat saavat vaikutteita pääasiassa keramiikkataiteesta.