Mitä on japanilainen teatteri? Japanilaisen teatterin tyypit. Teatteri nro Kyogen teatteri. kabuki teatteri

2024 Kirjoittaja: Leah Sherlock | [email protected]. Viimeksi muokattu: 2023-12-17 05:35

Japani on salaperäinen ja omaleimainen maa, jonka olemusta ja perinteitä on eurooppalaisen erittäin vaikea ymmärtää. Tämä johtuu suurelta osin siitä, että maa oli suljettu maailm alta 1600-luvun puoliväliin saakka. Ja nyt, jotta voit tuntea Japanin hengen, tuntea sen olemuksen, sinun on käännyttävä taiteen puoleen. Se ilmaisee ihmisten kulttuuria ja maailmankuvaa enemmän kuin missään muualla. Japanilainen teatteri on yksi vanhimmista ja lähes muuttumattomista taiteen muodoista, joka meille on tullut.

Japanilaisen teatterin historia

Japanilaisen teatterin juuret ulottuvat kaukaiseen menneisyyteen. Noin puolitoista tuhatta vuotta sitten tanssit ja musiikki tunkeutuivat Japaniin Kiinasta, Koreasta ja Intiasta, ja buddhalaisuus tuli mantereelta - tätä hetkeä pidetään teatteritaiteen syntymän alkuna. Siitä lähtien teatteri on toiminut jatkuvuuden ja perinteiden säilyttämisen varalla. Tiedemiehet ehdottavat, että japanilainen teatteri sisältää jopa osia muinaisesta draamasta. Tämä voisiedistää maan yhteyttä Vähä-Aasian hellenistisiin v altioihin sekä Intiaan ja Kiinaan.

Jokainen teatterilaji, joka tuli vuosisatojen syvyyksistä, on säilyttänyt alkuperäiset lakinsa ja yksilöllisyytensä. Näin ollen kaukaisen menneisyyden näytelmäkirjailijoiden näytelmät esitetään nykyään samojen periaatteiden mukaan kuin vuosisatoja sitten. Ansio tästä kuuluu näyttelijöille itselleen, jotka säilyttävät ja välittävät muinaisia perinteitä opiskelijoilleen (yleensä lapsilleen) muodostaen näyttelijädynastioita.

Teatterin syntymä

Teatterin synty Japanissa liittyy Gigaku-pantomiimin ilmestymiseen 700-luvulla, mikä tarkoittaa "näyttelemistä", ja Bugaku-tanssia - "tanssin taitoa". Erilainen kohtalo kohtasi näitä genrejä. Gigaku hallitsi teattereiden näyttämöä 1000-luvulle asti, mutta ei kestänyt kilpailua monimutkaisemmilla pantomiimigenreillä, ja ne pakottivat hänet ulos. Mutta Bugaku esitetään tänään. Aluksi nämä esitykset sulautuivat temppelijuhliin ja sisäpihaseremonioihin, sitten niitä alettiin esittää erikseen, ja vallan palauttamisen jälkeen tämä japanilaisen teatterin genre kukoisti ja sai entistä enemmän suosiota.

Perinteisesti erotetaan seuraavat japanilaisen teatterin tyypit: no tai nogaku, joka on tarkoitettu aristokratialle; kabuki, tavallisen kansan teatteri, ja bunraku, nukketeatteri.

Perinteinen japanilainen teatteri tänään

Nykyaikana eurooppalainen taide tuli Japaniin ja sen seurauksena moderni teatteri. Länsi-tyylisiä massaesityksiä, oopperaa ja balettia, alkoi ilmestyä. Mutta perinteinen japanilainen teatteri onnistui puolustamaan paikkaansa ja olemaan menettämättä suosiotaan. Ei ole sen arvoinenmielestäni hän on ajaton harvinaisuus. Näyttelijät ja katsojat ovat eläviä ihmisiä. Vähitellen heidän kiinnostuksen kohteet, maut ja käsitykset muuttuvat. Väistämättä nykyaikaisten trendien tunkeutuminen vakiintuneeseen ja kehittyvään teatterimuotoon vuosisatojen ajan. Näin esityksen aika lyheni, itse toiminnan vauhti kiihtyi, koska katsojalla ei ole nykyään niin paljon aikaa mietiskelyyn kuin oli esimerkiksi keskiajalla. Elämä sanelee omat lakinsa, ja teatteri sopeutuu niihin vähitellen.

Aristokratian teatteri mutta

Teatteri syntyi mutta XIV-luvulla ja saavutti suuren suosion aristokratian ja samuraiden keskuudessa. Se oli alun perin tarkoitettu yksinomaan Japanin yläluokkaan.

Monien vuosisatojen aikana kehittyneestä teatterista on tullut kansallinen perinne, joka sisältää syvän filosofisen ja hengellisen merkityksen. Sen maisema on yksinkertainen, pääpaino on naamioissa, joiden merkitystä korostaa kimono. Kimonot ja naamarit siirtyvät sukupolvelta toiselle jokaisessa koulussa.

Näytelmä näyttää tältä. Shite (päähenkilö) huilujen, rumpujen ja kuoron ääniin kertoo tarinoita rauhallisesta elämästä ja taisteluista, voitoista ja tappioista, murhaajista ja munkeista, joiden sankareita ovat henget ja kuolevaiset, demonit ja jumalat. Kertomus on varmasti tehty arkaaisella kielellä. Mutta - japanilaisen perinteisen teatterin salaperäisin genre. Tämä selittyy paitsi itse naamioiden, myös kaikkien esityksen yksityiskohtien syvällä filosofisella merkityksellä, joilla on salainen merkitys, joka on vain edistyneen katsojan ulottuvilla.

Teatterinenesitys kestää kolmesta ja puolesta viiteen tuntiin ja sisältää useita teoksia, jotka vuorottelevat tansseja ja miniatyyrejä tavallisten ihmisten elämästä.

Naamarit mutta

Mutta - Japanilainen naamioteatteri. Naamiot eivät ole sidottu mihinkään tiettyyn rooliin, vaan ne välittävät tunteita. Yhdessä näyttelijöiden symbolisen toiminnan ja musiikin kanssa naamiot luovat ainutlaatuisen Tokugawa-teatterin tunnelman. Vaikka ensi silmäyksellä on vaikea uskoa, että naamiot eivät todellakaan toimi tunteiden välittämiseen. Surun ja ilon, vihan ja nöyryyden tunteita luovat valon leikki, näyttelijän pienimmät pään kallistukset, puhekuoron sävellykset ja säestys.

On mielenkiintoista, että eri koulut käyttävät eri kimonoja ja naamioita samoihin esityksiin. On naamioita, joita käytetään joihinkin rooleihin. Nykyään on noin kaksisataa naamiota, jotka ovat säilyneet tähän päivään ja jotka on valmistettu japanilaisesta sypressistä.

Esitykset mutta

Teatteri on realismille vieras ja rakennettu pikemminkin katsojan mielikuvituksen varaan. Lavalla, joskus ilman maisemia, näyttelijät suorittavat mahdollisimman vähän toimintoja. Hahmo ottaa vain muutaman askeleen, mutta hänen puheistaan, eleistään ja kuorosäestyksestä käy ilmi, että hän on päässyt pitkälle. Kaksi sankaria, jotka seisovat vierekkäin, eivät ehkä huomaa toisiaan ennen kuin ovat kasvokkain.

Teatterin pääasia ovat eleet. Eleissä yhdistyvät sekä ne, joilla on tietty merkitys, että ne, joita käytetään kauneuden vuoksi ja joilla ei ole mitään merkitystä. Tässä teatterissa erityinen intohimojen voimakkuus välittyy täydellisellä hiljaisuudella jaliikkeen puute. Kokemattoman katsojan on hyvin vaikea ymmärtää, mitä lavalla tapahtuu sellaisina hetkinä.

Kyogen Theater

Japanilainen kyogen-teatteri ilmestyi lähes samanaikaisesti but-teatterin kanssa, mutta se eroaa siitä suuresti teem altaan ja tyyliltään. Mutta - draaman, kokemusten ja intohimon teatteri. Kyogen on farssi, komedia täynnä yksinkertaisia vitsejä, säädytöntä ja tyhjää meteliä. Kyogen on kaikkien saatavilla, näytelmän tarkoitusta ja näyttelijöiden toimintaa ei tarvitse purkaa. Perinteisesti kyogen-näytelmät toimivat välikappaleena noh-teatteriesityksissä.

Kyogen-teatterin ohjelmistossa on näytelmiä 1400-1500-luvuilta. Nämä ovat noin kaksisataakuusikymmentä teosta, joiden tekijät ovat suurimmaksi osaksi tuntemattomia. 1500-luvun loppuun asti näytelmät kulkivat suusta suuhun opettaj alta oppilaalle, eikä niitä kirjoitettu paperille. Kirjoitettu media alkoi ilmestyä vasta 1600-luvun lopulla.

Kyogenin näytelmillä on selkeä luokittelu:

• jumalista;
• feodaaliherroista;
• naisista;
• pahoista hengistä jne.

On tuotantoja, jotka korostavat pieniä perheongelmia. He pelaavat miesten epäjohdonmukaisuudella ja naisten oveluudella. Suurin osa näytelmistä on omistettu palvelijalle nimeltä Taro.

Kyogen-hahmot ovat tavallisia ihmisiä, joiden elämässä ei tapahdu mitään erityisen merkittävää. Näytelmän alussa kaikki hahmot esitellään yleisölle. Teatterin näyttelijät on jaettu ryhmiin: pää - istu, toissija - ado, kolmas - koado, neljäs tärkeydeltä - chure ja viides tärkeydeltä.merkitys - tomo. Suurimmat kyogen-näyttelijäkoulut ovat Izumi ja Okura. Huolimatta siitä, että noh ja kyogen liittyvät toisiinsa, näiden teattereiden näyttelijät koulutetaan erikseen.

Japanilaisessa kyogen-teatterilajissa on kolmenlaisia pukutyyppejä:

• Herra;
• palvelijat;
• naiset.

Kaikki puvut on valmistettu 1500-luvun ja 1600-luvun alun muodin mukaan. Joskus naamioita voidaan käyttää teatteriesityksissä. Mutta nämä eivät ole naamioita, vaan tunteita ilmaisevia, ne ovat naamioita, jotka määräävät hahmon roolin: vanha nainen, vanha mies, nainen, demoni, jumala, eläimet ja hyönteiset.

Toisen maailmansodan päätyttyä kyogen-teatteria uusittiin ja näytelmiä alettiin esittää itsenäisesti, ei vain osana noh-teatterin esityksiä.

Kabuki - temppelitanssijateatteri

Kabuki-esitykset suunniteltiin alun perin kaikille. Kabuki-teatteri ilmestyi Tokugawan aikakauden alussa ja se liittyy temppelitanssijan ja sepän Izumo no Okunin tyttären nimeen.

Tyttö muutti Kiotoon 1600-luvulla, missä hän aloitti rituaalitansseja joen rannalla ja pääkaupungin keskustassa. Vähitellen ohjelmistoon alkoi tulla romanttisia ja eroottisia tansseja, ja muusikot liittyivät esitykseen. Ajan myötä hänen esityksensä suosio kasvoi. Okuni onnistui nopeasti yhdistämään tanssit, balladit, runot yhdeksi kokonaisuudeksi esityksissä ja loi japanilaisen kabuki-teatterin. Kirjaimellisesti teatterin nimi on käännetty "laulun ja tanssin taiteeksi". Tässä vaiheessa vain tytöt osallistuivat esityksiin.

Teatterin suosio kasvoi,usein pääkaupungin korkea-arvoiset asukkaat alkoivat rakastua ryhmän kauniisiin tanssijoihin. Hallitus ei pitänyt tästä asiaintilasta, varsinkin kun taisteluita alettiin järjestää näyttelijöiden rakkaudesta. Tämä sekä liian selkeät tanssit ja kohtaukset johtivat siihen, että pian annettiin asetus, joka kielsi naisia osallistumasta esityksiin. Niinpä onna kabuki, naisten teatteri, lakkasi olemasta. Ja lavalla oli miespuolinen japanilainen teatteri - wakashu kabuki. Tämä kielto koski kaikkia teatteriesityksiä.

1800-luvun puolivälissä asetus kumottiin virallisesti. Perinne kaikkien roolien esittämisestä miesten esityksissä on kuitenkin säilynyt tähän päivään asti. Kanoninen japanilainen teatteri on siis japanilainen miesteatteri.

Kabuki tänään

Nykyään japanilainen kabuki-teatteri on suosituin perinteisistä näytelmätaiteista. Teatterinäyttelijät ovat maassa hyvin tunnettuja, ja heidät kutsutaan usein tv- ja elokuvakuvauksiin. Naisten roolit monissa ryhmissä alkoivat jälleen olla naisten tekemiä. Lisäksi on ilmestynyt naispuolisia teatteriryhmiä.

Kabuki-teatteriesitysten olemus

Kabuki-teatteri ilmentää Tokugawan aikakauden arvoja, ne muodostavat juonen pohjan. Tämä on esimerkiksi oikeudenmukaisuuden laki, joka ilmentää buddhalaista ajatusta kärsivän ihmisen palkitsemisesta ja konnan välttämättömästä rangaistuksesta. Myös buddhalainen ajatus maallisen katoavuudesta, kun korkeasyntyiset perheet tai voimakkaat johtajat epäonnistuvat. Konflikti voi usein perustua yhteentörmäykseenKungfutselaiset periaatteet, kuten velvollisuus, velvollisuus, vanhempien kunnioittaminen ja henkilökohtaiset pyrkimykset.

Meikki ja puvut vastaavat mahdollisimman hyvin näyttelijöiden rooleja. Useimmiten puvut vastaavat Tokugawan aikakauden muotia, ovat tyylikkäitä ja tyylitelty niin paljon kuin mahdollista. Naamareita ei käytetä esityksissä, ne korvataan monimutkaisimmilla meikillä, jotka heijastavat roolin sisältöä. Myös esityksissä käytetään peruukkeja, jotka luokitellaan hahmojen sosiaalisen aseman, iän ja ammatin mukaan.

Bunraku-teatteri

Bunraku on japanilainen nukketeatteri. Joskus sitä kutsutaan myös virheellisesti joruriksi. Joruri on bunraku-teatteriesityksen nimi ja samalla yhden nukeista, onnettoman prinsessan nimi. Teatteri alkoi tätä sankarittaresta kertovilla balladeilla. Aluksi se ei ollut nukke, ja vaeltavat munkit lauloivat lauluja. Vähitellen muusikot liittyivät esitykseen, yleisölle alettiin näyttää kuvia hahmoista. Ja myöhemmin näistä kuvista tuli nukkeja.

Teatterin tärkein asia on gidayu - lukija, jonka taidosta koko esityksen menestyminen riippuu. Lukija ei ainoastaan esitä monologeja ja dialogeja, vaan hänen tehtävänsä on myös tehdä tarvittavia ääniä, ääniä, vinkuja.

1600-luvun puoliväliin mennessä bunrakun musiikillisen esityksen ja lausunnon pääkaanonit olivat kehittyneet, mutta itse nuket muuttuivat vielä pitkään. Ajan myötä tekniikka hallita yhtä nukkea kolmella ihmisellä. Japanin bunraku-teatterilla on ikivanha perinne nukkevalmistuksessa. Niillä ei ole runkoa, se korvataan puisella suorakaiteen muotoisella kehyksellä, joka on kietoutunut langoilla pään hallitsemiseksi,kädet ja jalat. Lisäksi vain urosnukeilla voi olla jalat, eikä silloinkaan aina. Kehykselle laitetaan useita vaatekerroksia, mikä antaa volyymia ja samank altaisuutta ihmishahmon kanssa. Pää, kädet ja tarvittaessa jalat ovat irrotettavissa ja laitetaan tarvittaessa runkoon. Kädet ja jalat ovat erittäin liikkuvia ja tehty niin, että nukke voi liikuttaa jopa sormea.

Nukkeohjaustekniikka on pysynyt samana, vaikkakin parannettu - yhden nuken, jonka pituus on kaksi kolmasosaa ihmisen pituudesta, manipuloimiseen tarvitaan kolme näyttelijää. Näyttelijät eivät piiloudu yleisöltä, vaan ovat siellä lavalla, pukeutuneena mustiin naamioihin ja kaapuihin. Myös kulissien takana, näyttämötaustassa, verhossa ja muusikoiden lavalla on musta väri. Tätä taustaa vasten maisemat ja nuket, joissa on värikkäät asut ja valkoiseksi maalatut kädet ja kasvot, erottuvat kirkkaasti.

Bunraku-teatterin pääteema on mielikuva tunteiden ja velvollisuuden yhteenotosta, "painoista" ja "ninjasta". Tarinan keskellä on henkilö, jolla on tunteita, pyrkimyksiä, halu nauttia elämästä. Häntä estävät kuitenkin yleinen mielipide, velvollisuus, sosiaaliset ja moraaliset normit. Hänen on tehtävä mitä hän ei halua tehdä. Tämän seurauksena velvollisuuden ja henkilökohtaisen pyrkimyksen välinen ristiriita johtaa tragediaan.

Teatteriset varjot

Varjoteatterin juuret ovat muinaisina aikoina. Aasiaa pidetään sen alkuperäpaikkana, ja se saavutti suurimman vaurautensa Kiinassa. Täältä japanilainen varjoteatteri tuli.

Aluksi esityksissä käytettiin hahmoja,leikattu paperista tai nahasta. Lava oli valkoisella kankaalla päällystetty puurunko, jonka takana näyttelijät piileskelivät ohjaten hahmoja ja laulaen. Suuntavalo heijasti toimintahahmoja näytöllä.

Varjoteatterissa eri alueilla oli omat hahmot ja esitettävät kappaleet.

Yose-teatteri

Yose on perinteinen japanilainen sarjakuvateatteri. Se syntyi 1600-luvulla, ja ensimmäiset esitykset pidettiin ulkoilmassa. Mutta teatterin suosion myötä tällaisia esityksiä varten alkoi ilmestyä erityisiä taloja - yoseba.

Teatterin näytelmät kuuluvat rakugo-genreen - satiiriset tai sarjakuvat, aina odottamattomalla päättymisellä, täynnä sanapeliä ja nokkeluutta. Nämä tarinat ovat kehittyneet rakugokan – ammattitarinoiden kertojien – luomista anekdooteista.

Kimonoon pukeutunut esiintyjä istuu tyynylle keskellä lavaa, yleensä käsissään pyyhe ja tuuletin. Tarinan sankarit olivat eri luokkiin kuuluvia ihmisiä, tarinoiden aihetta ei rajoittunut mikään. Ainoa vakio oli, että tarinat olivat hauskoja, liittyvät poliittisiin, kotimaisiin, ajankohtaisiin ja historiallisiin tilanteisiin.

Suurin osa tarinoista on luotu Edon ja Meijin aikana, joten kuvatut perinteet, elämä ja ongelmat ovat vähän tunnettuja ja vieraita nykyajan katsojalle. Tältä osin monet rakugo-näyttelijät kirjoittavat itse satiirisia tarinoita ajankohtaisista aiheista.

Manzai on toinen yose-genre. Tämä on koominen dialogi, jonka juuret ulottuvat perinteisiin uudenvuodenesityksiin, joita säestettiin lauluilla, tansseilla ja näyttelemällä.komediakohtaukset. Vähitellen manzaihin tuli elementtejä farssista, musikaaleista ja muista genreistä, mikä teki siitä entistä suositumman ja mahdollisti sen pääsyn televisioon.

Yose-teatteria edustavat myös genret nanivabushi (eräänlainen balladi) ja kodan (fiktioluku). Kodan on tarina, joka perustuu kiertävien taiteilijoiden esitykseen. Tarinoiden alkuperäinen teema (menneisyyden taistelut) laajeni ja se sisälsi perhekonfliktit, legendaaristen tuomareiden oikeusjutut, poliittiset tapahtumat, epätavalliset tapaukset tavallisten kansalaisten elämässä. Viranomaiset eivät kuitenkaan rohkaisseet kaikkia aiheita. Usein esitykset jopa kiellettiin.

Synopsis

Perinteinen japanilainen teatteri on monivärinen ja monimutkainen maailma, jonka elementtejä ovat näyttelijät, muusikot, naamiot, maisemat, puvut, meikki, nuket, tanssit. Kaikki tämä muodostaa ainutlaatuisen ja jäljittelemättömän japanilaisen teatteritaiteen salaperäisen maailman.